有关人像摄影的实用技巧

　　人像，是摄影爱好者最喜欢的拍摄题材之一，虽然创意很重要，但一些基本技巧是更好创意的基础，必须熟练掌握。

　　一、人像摄影中的测光与曝光技巧

　　大家在人像拍摄过程中可能会发现有些照片上脸部阴暗、曝光不足，或者整个画面模糊一片等等诸多问题。别灰心，本章就是要帮大家解决这些问题，让我们来讨论测光与曝光值的设定.....

　　测光

　　通常人像拍摄，测光是测在脸部，甚至更严格一点，测在眼睛附近。使用中央重点或点测光，将取景画面中的测光点移至脸部位置，测好光后再移至正确构图按下快门。有高级智能测光模式的相机最好关闭智能连续测光，使用单次测光，甚至使用曝光锁——在测好面部曝光值之后将曝光组合锁定。一些有经验的人像摄影师更喜欢用手动曝光——在用相机或测光表测量好光线后，手工设定曝光组合，很据现场情况适时进行曝光增减。

　　上图这幅照片，如果采用这种测光方式，就能很好地表现模特的肌肤，如果用平均测光，则由于背景较暗，很可能曝光过度。

　　光圈

　　拍摄人像，最好采用大光圈，以求得浅景深。在主体体比例不是很大的情况下会比较突显出来。使用大光圈还有一个好处，就是天气较阴暗的情况下，快门速度不至于慢于安全限度。

　　需要提醒的是，很多镜头，尤其是一些非专业镜头，最大光圈的成像效果往往不是最好，所以最大光圈收小1-2档是保险的做法。

　　快门速度

　　何谓快门速度的安全限度？就是一个“临界值”，比这个限度更快的速度，可以免去因为手的晃动，及被摄者的移动而造成画面模糊，但是快门安全限度因人而异。

　　首先，看被摄者是否移动以及移动的程度，移动中的被摄者通常要冻结画面，1/250可能比较保险，若是被摄者固定不动，相机架上脚架，大概1/8秒甚至1/4秒也可以冻结住。再来，我们考虑拍摄者本身手的稳定度，每个人的手稳定度都不同，大概1/60秒而画面不模糊，是大家都可以达到的。例如笔者手的稳定度不很好，大概1/30以下就不行，得借助脚架了，各位同好不妨试试看自己的手持的安全限度有多少？总结来说，拍摄固定不动的模特，手持在1/60秒应该没问题，在拍摄移动中的模特那就用1/250秒以上吧！

　　但是，所谓的“安全快门速度”也不是一成不变的，若是主体比例越大，或是采用较长的镜头，晃动程度会更明显。所以安全限度一定要注意得更快才行。在传统35mm胶片摄影中，一般认为焦距的倒数就是安全快门时间，非全幅单反数码相机虽有焦距系数问题，基本上按镜头的物理焦距来计算也不会偏差太多。

　　高反差人像用光技巧

　　拍摄一张高反差的、没有正常影调间距的肖像，是人像摄影中一种有趣的尝试，尤其对于黑白摄影。它能通过运用反差分明的、硬的光线，塑造出一些鲜明而动人的形象。

　　要获得这种高反差人像，除了在后期处理上需要相当的技巧外，对拍摄时的布光方面也有一定的要求。美国摄影家J·米切尔和J·汉纳姆在《暗房摄影》杂志的一篇文章中，提出了一种简单的布光方法：

　　可使用直射光或散射光作照明，一般用一个灯或两个灯为好。为拍摄方便起见，最好使用聚光灯，这样可以直接观察光效。当然也可使用闪光灯。在大多数情况下，只使用一个灯就够了。如果被摄者的头发很黑，那么就可以使用第二个灯直接照亮被摄者的头发或从其身后照明，以产生一个较亮的轮廓，从而使对象与背景区分开来。为了达到动人的效果，可以尝试着用侧光或45度角度的光线来照明被摄者。

　　侧光仅照亮被摄者的半边面部，而45度光则可照亮大半边脸，并且在正对光源的面颊部分造成一个三角形亮部。这种高反差效果以暗色的、未照亮的背景显得最佳，为使影像更好地与背景区分开来，可将被摄者的头部用光勾亮一点。

　　逆光

　　剪影人像实际上也可算是一种高反差人像摄影。英国摄影家M·基普林指出，逆光照片就是被摄体背着光源所拍摄出来的轮廓影像效果。通常摄影胶片感受、表现色调的宽容度是很有限的。与之相比，人的眼睛对色调的感觉范围却要宽得多。这样，在照片上，较暗的物体就能在较亮的背景的衬托下以剪影的方式跃然而出。

　　拍摄逆光剪影照片，常常用日光作光源，但也可以根据摄影师的方便或喜好用任何光线作光源。基普林认为，以日落之后或日出前的天空作背景拍摄逆光剪影照片是很理想的。为了能在底片上产生很好的逆光剪影效果，照片上最亮部分与最暗部分的比例通常为50：1。用幻灯片拍摄时尤其应当如此，因为其色调宽容度更窄。

　　软调人像布光是一种总色调为中间色的均匀市光方法。这种布光基本上采用多盏灯和好几块反光板．使光线最大限宝地直射、漫射和反射到被摄者身上。如果布光巧妙，可以拍出相当精彩的人原作品：

　　为了取得均匀、全面、软调子且能美化被摄者的用光效果，一般使用3盏室内摄影灯和一些反光板。在被摄者前面并排使用两盏大型的300瓦加柔聚光灯，这两盏灯要同被摄者及他面前的一块装在支架上的涂铝反光板成一定角度。这样布光所以能取得均匀的照明效果，就在于使反射光的强度达到了最大限度。因此，反光板在布光时是关键的部分。头发灯要架得相当高，并置于被摄者左侧，刚好在他头部后面。被摄者身后和两侧，还可放置一些反光板，以增加反光。

　　具体拍摄时，先打开被摄者前面的两盏加柔的聚光灯，并对好角度，使之能均匀地照射被摄体，同时使架在被摄者前面的涂铝反光板能向上反射出最大限度的光量。在被摄者身后架一块反光板，左例也架一块白色、长柱形的反光板。然后，架好头发灯，并将其升高到在被摄者的左肩上产生出强烈而均匀的照明。这盏头发灯还应高到能把光线直接打在被摄者面前那块装在支架上的反光板上。用手在各个反光的表面来回移动，检查其反光效果：最后决定曝光量后便可着手进行拍摄了。

　　伦勃朗式用光

　　伦勃朗是世界著名的荷兰画家。伦勃朗式用光是一种专门用于拍摄人像的特殊用光技术。拍摄时，被摄者脸部阴影一侧对着相机，灯光照亮脸部的四分之三。以这种用光方法拍摄的人像酷似伦勃朗的人物肖像绘画，因而得名。

　　伦勃朗的油画名作

　　伦勃朗式用光技术是依靠强烈的侧光照明使被摄者脸部的任意一侧呈现出三角形的阴影。它可以把被摄者的脸部一分为二，而又使脸部的两侧看上去各不相同。如果用均匀的整体照明，就会使被摄者的脸部两侧显得一样了。

　　这种用光技术相当有效，因为它突出了每副面孔上的微妙之处，即脸部的两侧是各不相同的。其用光效果还可根据摄影者的意愿用辅助光任意调节：虽然伦勃朗式用光的高反差形式令人感兴趣，但适当运用反光板和辅助光，尽量减少反差，能取得加强整个肖像的效果，从而拍出不同凡响的作品。一般采用伦勃朗式用光需要两盏灯照明，经，改进后再加用第三盏灯用以调节反差。两盏照明灯中，一盏650瓦的石英主灯(A)置于摄影师左上方，直接照在被摄者脸部的右边，就像他正面的一盏柔光辅助灯(B)一样，只是后者置于摄影师左的侧白色的长条形反光板置于被摄者的左侧。

　　它能把一些光线反射到脸部没有照明的一例。而发灯(C)能通过反光板把光射到被摄者的脸上，削弱了明显的伦勃朗三角，并加亮了肖像的总体色调。

　　具体拍摄时，先打开650瓦的石英主灯(A)，并调节其角度，使伦勃朗三角光投在被摄者脸部的暗侧。然后打开正面主要的柔光灯(B)，直接对着被摄者脸部的亮侧。它能照亮被摄者的脸部并增加深度，但此时三角状的亮光区域仍很明显。设法使被摄者转动头部，直到伦勃朗三角光能恰到好处地照在他的面颊上为止。并要被摄者的下巴下倾。接下来就是测光及选择相机的光圈与快门组合。最后再检查一下背景，看一下头发灯是否会在背景上留下亮点及在相机镜头中引起晕光。开始拍摄时可同被摄者轻松地交谈，以使他放松并面带笑容，这一步也是很关键的。须记住，在人像摄影中重要的是不要让一种技巧的作用超过了被摄者脸部的表现力。

　　5个专业摄影布光技巧 (实例配布光示意图)

　　本文选取了5名职业摄影师亲身解读作品在拍摄中的用光技巧。拍摄类型涉及肖像、外景、静物和广告等。用光方法按照由浅入深的顺序依次展开。既有传统的用光技巧，也有创意的用光手段。内容丰富，而且配有布光示意图，非常直观。

　　1.入门照明工具：自然光

　　自然光是摄影师最基本也是最常用到的光源。它时而明亮强烈，时而黯淡柔和；色调有时温暖，有时冷峻；有时笔直照射，能制造出长长的影子，也有时被云层遮挡发生漫射，不会留下任何阴影。随着太阳东升西落，自然光能够做主光、侧光、背光和轮廓光。自然光看起来非常自然，而且永远免费。

　　Cheyenne Ellis是一位来自洛杉矶，专门拍摄名人肖像和广告作品的职业摄影师。上面那张照片是她为著名演员哈莉·贝瑞拍摄的系列作品中的一张。在拍摄这张肖像时，他只使用了自然光和反光板。该系列作品曾被《US Weekly》、《Harper's Bazaar》和《Shape》等杂志刊登。你可能会觉得在这样一个高调的拍摄项目中，摄影师Ellis一定不会只拿着一部相机和一个价值47美元的反光板去拍摄。

　　摄影：Cheyenne Ellis 模特：Halle Berry

　　夏威夷瓦胡岛海滩

　　器材：相机 Canon EOS 5D Mark II 镜头 24– 70mm f/2.8 Canon lens

　　但是，自然光和反光板却是摄影师Ellis最喜欢的组合。她个人网站上展示的作品中洋溢着自然的光线。“我喜欢反光板的简单和灵活，以及它带来的风格”，她说。“我很少把反光板直接对着被摄人，因为这样光线太强烈。相反，我会将光线‘羽化’，确保被摄人的眼眸中有漂亮的反光。这张照片中的沙滩就像一个巨大的补光板，帮了很大的忙。”

　　Cheyenne Ellis设计了一个巧妙的方法，能够在不需要助手的情况下使用20英寸银/白色反光板：她坐下，将反光板放在腿上，在拍摄的同时用小臂调整反光板的方向。

　　2.日光和闪光灯的融合

　　“Dyad摄影”是位于纽约市布鲁克林区的一家摄影工作室，由摄影师Justin和Colleen Picciotti组建，主要拍摄商业和艺术作品。两人曾拍摄过一个以食物为主题的私人项目，他们从拍摄符号性的图像开始将这个项目引向了令人惊讶的方向。这些作品乍一看是采用定格技术拍摄的“动态食物”，不像是传统的展示图片。但如果你仔细观看，就会恍然大悟。你看到的作品有些令人震惊，有些令人捧腹。但这些关于食物的作品都不强调物体的三维性，而这正是其它摄影师试图在自己作品中突出的。

　　摄影 Dyad Photography

　　这些作品是千真万确的、甚至是反传统的二维图像。摄影师Piciottis是如何拍摄的呢？正如大多数影室作品一样，布光发挥了至关重要的作用。上面那张作品中精心制作的意大利面条和肉丸下面的桌椅、地板和餐具实际上是打印出来的照片，而非实物。为了欺骗视觉，让这个场景看起来像是一次拍摄的照片，在“房间设施”和意大利面的光线上，色温和密度必须一致。这可不容易，因为桌面的光线来自窗户，而意大利面的光线则来自闪光灯。

　　不过作品的用光也让观者注意到这些不是平常的商业图片。例如，摄影师Picciottis故意从落在桌面光线的反方向上向面条打光，他解释说：“我们选择将不同方向上的光源结合起来，这能突出对透视的控制。”

　　为了在色调较冷的背景中凸显意大利面，摄影师们选择了比背景光线色调略暖的灯光。

　　摄影师们花费了数小时拍摄和打印桌面照片，他们采用白色/银色反光板和黑布使桌面、椅子和地板的光线层次保持一致。拍摄时他们将装有利图Aptus75数码后背的哈苏501相机悬挂在桌子上方，使用镜头50mm f/4卡尔·蔡司镜头。

　　拍摄好的桌面照片用爱普生Stylus Photo R2400型打印机打印。摄影师Piciottis选用了亚光纸，这是为了避免相纸在二次拍摄中出现反光。

　　在布置好意大利面后，摄影师用安装了雷达罩的闪光灯为整个场景照明，这种光线广而柔，可以模拟窗户进入的光线。“拍摄食物时用光的一个技巧是使用方向性更强的光源，能够拍摄出每个元素的不同纹理，”Piciottis说。“雷达罩可以使我们在不弱化阴影的情况下柔化光线，我们还在意大利面的周围放置了白色和灰色的补光板，进一步强化阴影并突出光线的方向。”

　　雷达罩的使用还增强了画面中意大利干酪屑的空间感，这也是本作品区别于传统食物摄影的最富戏剧性的标志。使用雷达罩的另一个好处是：降低雷达罩的角度能够避免相纸反光。

　　这张模拟定格摄影作品的布光方式是，Picciottis使用窗户的自然光为桌面照明，使用宝富图Acute2 2400WS影室灯（3,245美元）加宝富图白色雷达罩（352美元）为意大利面打光。影室灯采用PocketWizard无线触发器（351美元）同步闪光。白色和灰色的补光板帮助增加阴影的密度，强化了阴影并突出了光线的方向。

　　3.职业外景摄影师将影室移至户外

　　外景拍摄的用光可能是对摄影师最严峻的挑战之一。摄影师必须携带灯具，自带或寻找电源，而且还要将环境光线和人工光天衣无缝的结合到一起。

　　摄影：Laura Barisonzi

　　出于以上原因，纽约摄影师Laura Barisonzi在拍摄这张健美模特肖像之初只准备利用自然光和反光板拍摄，这位专业的体育和生活摄影师说，“这比搭设灯光，还要带着电源简单多了。”

　　但天空中云团滚滚，环境光线也在直射和散射的阳光间交替。

　　摄影师使用的照明策略是利用两个影室灯压住阳光，这样她就不用关心阳光是否直射在模特的身上了。

　　“对我而言，外景拍摄用光的诀窍是确保充足的电力，”她说。她不喜欢用电池，因为两次闪光之间的充电时间太长。“如果用电池供电，我会急于完成拍摄，因为我总担心电池不够用，所以我通常用发电机为闪光灯供电”。

　　为保持场地整洁，她也喜欢使用PocketWizard无线触发器。

　　模拟阳光的灯光必须做到位置高、质地硬、亮度大，光线还要以约45度的角度向下照射。灯头的位置太高，灯架就容易被风吹倒，因此每当有风时，Barisonzi会用沙袋增加灯架的重量，还会让助手在灯架左侧扶着更高的灯架。

　　Laura Barisonzi在拍摄这张作品时使用了2支AlienBees B1600影室灯（每个360美元），1个GS1型蜂巢，一台本田EU3200i型发电机提供电力。摄影师使用的相机是尼康D3，24-70mm f/2.8镜头。

　　4.拍摄首饰，光彩就是一切

　　拍摄反光物体时的布光最难，其中以拍摄首饰最为耗时。最大的挑战在于要让没有生命的物体洋溢着跃动的光芒和生命的光彩。

　　摄影师David Barowsky和Steven Deviliss每天都要面对这种挑战，他们是位于纽约市图片区（Photo District）的“Antfarm摄影”工作室的成员。

　　“我们关注首饰的每一个方面，特别是钻石，因为它们都很昂贵，”Barowsky说。照片中的Faraone Mennella 18K金手镯上镶满了品相非常好的白钻、棕钻和香槟钻。

　　摄影：Antfarm Photography

　　“对于这张照片而言，效果全部靠灯光制造，几乎没做过后期编辑。当然，我们也需要一个锐度很高的微距镜头来捕捉钻石的切割面和色彩上微妙的变化。”

　　拍摄首饰用光时必须一灯一调，对首饰切割面和表面的光线也要做到一面一调。有的首饰在拍摄时需要同时使用10多个灯和反光板。“你必须不断调整一个表面上的光线，直到调整好了为止，”Barowsky解释到。“把灯光安排的紧凑一些，不要让环境光漏进来影响色温。”

　　背景的反射光可能会造成画面出现死黑区域，为避免出现这种情况，应在被摄主体周围布满灯、柔光罩和反光板。

　　这张照片在拍摄时使用的是两个3200WS的布朗Unilite型影室灯头。手镯的左右两侧各安置一个，灯前放置有机玻璃板柔光，手镯放在刷有925银漆的反光片上。由于灯头装有栅格，光线通过有机玻璃后又再次衰减，这样就可以在黄金上创造出微妙的色调层次。

　　布置在机位附近的布朗Picolite型闪光灯能发出集中的光线，可以增加钻石的光泽和闪光，同时手镯背后设置的灯箱既可以保证背景纯净，也可以在银色反光片上打出反射光。

　　准确的曝光控制也非常重要，要做到这一点，摄影师依靠的是曝光直方图。很多玩摄影的人都会利用直方图保留照片中高光或阴影部分的细节，拍摄首饰的摄影师则利用直方图来监控首饰的眩光，确保闪光的部分不会过曝。“拍摄明亮、耀眼首饰时，控制眩光是主要的挑战之一，”Barowsky说。

　　“减少眩光的一个诀窍是将背景光的直方图读数逐步提高到255，如果超过了255，就会出现不必要的眩光。”

　　Antfarm摄影工作室的团队拍摄这两个镶钻金手镯时使用了1支加装聚光罩和栅格的布朗Picolite型影室灯（720美元），2个布朗Unilite型3200WS灯头（每个1,510美元），由布朗grafit电源供电。摄影师使用的是仙娜P2 4×5相机，配仙娜54h数码后背，施耐德120mm f/5.6微距镜头，拍摄光圈为f/32。

　　5.在灯光下保持昏暗

　　有效地运用灯光是广告摄影的重要环节。上面这张照片是为本田CRV minivan和混合动力SUV的2010宣传册拍摄的，来自洛杉矶的汽车摄影师Jeff Ludes，他和3个助手用了4个小时拍摄了这张照片。

　　摄影：Jeff Ludes

　　拍摄时的主光是Arri钨丝灯，摄影师没有使用电影摄像经常使用的菲涅耳镜头。“没有使用菲涅耳镜头的原因是我们想让光线洋溢在整张照片中，就像路灯的灯光那样，”Ludes说。

　　实际上，现场已有的灯光也是整个布光中重要的一部分，所有后加的背景灯都安装了校正色彩用的醋酸酯滤光片，用来确保输出灯光的色温与路灯一致。

　　摄影师的最终目标是要增加色彩和氛围，赋予汽车一种感情色彩——乐观、年轻和都市情怀。但是利用灯光勾勒出汽车的外型也很重要，要表现出汽车的造型、线条、色彩和大小。为了突出主体，在汽车的用光上摄影师选择了比暖色背景更为明亮的灯光，使蓝色的车身更加突出。

　　考虑到蓝色的天空和窗户的反射，摄影师选择在黄昏时拍摄这张照片。“在黄昏时用光的难点在于灯光要在天亮的时候就准备好，而这个时候根本无法确定灯光的布设位置和亮度水平，”Ludes说。“当太阳快落山时，你必须快速准确地调整灯光的最终位置，并在日光和灯光取得完美平衡的一小段时间窗口内进行拍摄。”

　　如果Ludes在整个现场使用2000瓦的灯进行照明，最终在未被灯光照及的区域可能会产生深黑的阴影，这将破坏摄影师拍摄一个充满活力、洋溢着灯光的街景的构想。Ludes说，“我们经常使用150瓦的小功率灯。”

　　他解释说：“大家普遍没有注意到，在昏暗场景中用光时，小而暗的灯通常比大而亮的灯更合适，太亮的灯只会造成深暗的阴影。”

　　其它的拍摄细节？一辆水车浇湿了整条街道，使那些本来阴暗且毫无特色的黑色表面变得富有生气和充满光泽。摄影师的团队甚至还“建造”了前景中的人行道，掩盖了车辆其实停在马路中间的事实（被摄车辆其实就停在一条行车道前）。

　　最终的照片由8张不同的照片合成，每张照片都针对特定的元素进行构图、布光和选择。例如针对汽车的侧面、后面和轮胎分别进行曝光。“如果打在挡泥板上的灯光合适，那么轮毂槽处就会出现很深的阴影，因此有必要对轮胎进行单独曝光， ”Ludes说。

　　一张作品就此诞生！

　　摄影师Jeff Ludes拍摄这张照片使用的灯光包括4支1000W、4支650W、1支2000W和1支350W的Arri钨丝灯。与Arri钨丝灯的暖光不同，打在汽车上的灯光由稍冷色的8英尺Kino flo日光荧光灯提供。拍摄使用的相机是阿尔帕Max中画幅相机，飞思p65+数码后背和罗敦斯德APO Sironar 35mm f/4.5 HR镜头。

　　『人像摄影』让照片成为摄影作品的8个因素

　　你对人像摄影有兴趣？那你一定想知道是哪些因素将纪念照和摄影作品区分开的，下面就是我认为最重要的几个方面。

　　光线

　　光线是摄影最重要的方面，没有之一。

　　暂停一下，再反复读一下上面那句话，直到铭记于心为止。总的来说，摄影艺术的本质就是捕捉光线，并进行艺术性的演绎。拍摄真实场景时，摄影就是用光作画。

　　在摄影与闪光灯被发明出来之前，传统画家会让模特坐在大窗户旁——就像摄影中的柔光箱一样——创造出他们想要的光线，以此来画出要表达的情绪。任何时候都要关注光线，无论如何（等候、使用辅助光）也要保证有正确的光线。

　　如果没有出色的光线，就不要费劲去按下快门——你的照片不会比其他人用普通数码相机拍得更好。

　　主题

　　光线毫无疑问是摄影中最重要的部分和基础。但是主题也同样重要。一个有力的主题比一个漂亮的模特重要得多。场景、服装、道具、饰品、姿势，以及表情，这些因素综合作用，讲述了照片背后的故事。摄影师的任务是保证这个故事值得讲。

　　对焦

　　对焦不仅仅是考虑焦点在哪里的问题，还要考虑选择景深的问题。你希望背景/前景达到怎样的虚幻程度？主体的哪些部分要在焦点范围内？正确使用镜头，你就可以控制这些方面，而且会产生截然不同的结果。

　　同时，也不要忽略转换焦点的作用。通常而言，将焦点对在眼睛上是没问题的，不过我经常对嘴唇对焦，而且有时让主体失焦——比如对焦在手上——能产生更佳的效果。在我最喜欢的一张照片中，我把焦点放在象棋盘上，而主角则位于景深之外，而且脸上还过曝了。

　　背景

　　提到背景，一般的规则是保持简单。拍出好的环境人像并非不可能（我就拍了很多），但稍不注意就可能让背景分散了观众对主体的注意力。对初学者来说，首先要避免的问题是前景和背景融合到一起，比如，背景中的树看起来像是从模特头上长出来的似的，诸如此类。

　　构图

　　爱好者和职业摄影师的作品的区别之一就在于构图。一个好的人像摄影在构图时会考虑到形状、线条、画面、角度、空间、焦点等等问题，以获得最有强的冲击力。

　　质感

　　照片是二维的，所以要获得良好的质感并不容易。最好的方法是利用形状、构图和布光来体现出整个场景的质感。

　　色彩

　　如果你想拍摄色彩，要保证它们是彼此协调的。如果色彩不够协调，那就换换衣服、场景……直到满足这一点。画家不会随便抓起什么颜色就作画。为什么摄影师就要放弃对颜色的掌控权呢？

　　曝光

　　曝光并不仅仅意味着准确。比如在某些高反差的场景中，你就没有选择。你可以做到对阴影准确，或者对高光准确，但通常二者不能兼顾，但这反而是好事。你可以选择拍一张高调或暗调照片，以此来强调想要强调的部分。

　　记住，你可以选择色彩、质感及曝光，以此来强调构图中的形状。

　　总结

　　当你可以综合掌握这些因素，并令它们和谐共生时，奇迹就发生了。和音乐一样，视觉艺术也依靠和谐（形状、色彩、曝光）、节奏（质感），以及细节元素（场景、模特）来讲述一个完整的故事。

　　下一次你端起相机时，要考虑到上述这些方面。问问自己，是拍一张纪念照呢？还是拍一张摄影作品。

　　人像摄影的三做三不作

　　许多网友嘴里面“专业的”三字是对职业摄影师的统称吧，在很多杂志上也看到这种称呼，我一直觉得没这个必要。人像拍的好的并非只有职业人员，许多不是学科出身的摄影人往往拍的更好，其经验并不见得比职业的少。我是职业的，但这并非骄傲的资本，而是动力，需要付出更多的努力以求回报。开始入行的时候就是人像摄影，现在工作室的重点依然是人像，这里不谈什么技术类的东西了，讲下关于人像摄影的心得。

　　一、做美工

　　做美工的前提是知道什么是美，也就是人像摄影拍摄的出发点，问自己一下：本次拍摄的目的是什么？我要凸现什么样的氛围？这种氛围需要什么样的道具？构图上应该如何配置画面……这一步是构置故事大纲，作品的传达意图。这是必不可少的步骤，规划的越严谨，照片的氛围越浓郁，能够打动人的因素越多。当然，做美工也要因地制宜，花大价钱构置道具实不可取，但在能力范围内，把道具配齐，把控场景，做到拍前心里有数。

　　上面这个原则，室内室外通用，在街上或野外看到一个场景，可以是古旧的，可以是苍凉的，奉劝各位，记下来！

　　驻足琢磨下应该怎么用，应该怎样拍，先在脑子里形成一个大纲。在构画画面的同时，还要提前把拍片的目的和模特衣着想一想。不妨扩散下思维，我是要拍纵轴时间点上的某一场景呢，还是要拍横轴地域上的某一空间呢？当这两个点重合时，照片的氛围又是如何呢？当这一切逐渐成形，剩下的就是美工，也就是道具构置，拍摄元素罗列。

　　二、做故事

　　有了场景有了年代，一个个情节会自动的在脑海中盘旋，需要表现的人物身份和状态会有所凭依，在这一刻，人物是鲜活的，是有生命力的！

　　反观下市场，让人眼前一亮的好的人像照片无不是情景交融的产物，它们背后的故事也让摄影人称道。

　　作故事并非让大家去考古，而是引发画面的兴趣点，单纯的模仿生活是毫无意义的。摄影人应该贴近生活感悟生活的点滴，一个合格的摄影人肯定是一个对生活充满热爱的人。

　　故事可以是矛盾的，可以有哭有笑，有悲有喜，这都要靠摄影师和模特之间的交流，当一个角色在摄影师和模特之间酝酿成熟，引发共鸣时，相信我，这套片子的成功不远了。

　　故事的情节可以是时尚的，也可以是怀旧的，如果大家曾经关注过HELMUT NEWTON的作品，肯定被其刻意安排的情节所震撼，照片中的故事或单人表演，或群体表演，已经不仅仅是时尚的演绎，而是由大小故事构架起来的宏篇。拉住读者驻足的，不再是短暂的因为美好事物的好奇，而是照片独到的氛围。

　　三、做导演

　　平面瞬态拍摄局限于一隅静态画面，如何使画面产生流动性？如同使人置身其中？在这一点上，摄影不如摄像。但静态画面的传播和动态画面有本质的不同，不必妄自菲薄，静态画面传承的是瞬态，即使曝光2小时，对表现方式来说，还是一张相纸而已。瞬态的摄影离不开平面，所以摄影人应该着力研究下平面美学。

　　如果让人在画面中占最大面积，首选三角形，人的身体结构决定了POSS三角形的简便，许多有经验的摄影师让模特摆出双腿微曲，双臂微曲的姿势，就是因为这个姿势符合力学和美学结构。在时尚类拍摄中，这种三角形摆姿可以看到很多。作为最稳定的摆姿模式，摄影师可以在构图中寻求流动感，如斜角构图。

　　另一个原则是主体所占画面的比例，在室外拍摄时，限制因素较少，道具较多，模特所处的位置可以用各种姿势遮瑕，使模特恰恰处于黄金点上不是什么难事。但在棚内拍摄时，模特和室外拍摄一样随意则会毁了整个拍摄，摄影师应当提醒模特，肢体应当占据画面最大面积，以求最佳画质。

　　大部分的拍摄，几个禁忌是不能出现的：手心最好不要对着镜头、手肘不要对着镜头、身体最好不要成一直线。对于服装搭配，一定要和环境协调，可以参考一下电影人物的服饰，一些大片在这一点上做的比摄影人专业，创作人员会绞尽脑汁的配合场景定制服装，哪怕是单纯的模仿电影中的剧照，也会给摄影人带来好处。

　　在拍摄角度上，也建议大家模仿下电影拍摄的手法，登高取更大视域，蹲低取更大空间。摇臂没有，可以站在梯子上。这种拍摄方式会比单纯站立拍摄更有吸引力，所以在对模特发出指令时，需要摄影师对画面有些预估，拍摄结果会给大家带来惊喜。好的视角有时会决定一幅摄影作品的成败。

　　或许大家以为，拍前做这三项工作是根本没有意义的事情，只需要把照片拍清晰，拍的使客户满意就行了，其实对摄影人来说，这只是最最初步的要求。照片的引申义更加重要，使人像摄影作品不必靠时间磨亮光辉，靠的就是不起眼的几个小步骤。单纯的个人人像照片是不是要遵循以上原则呢？要做，而且要做的更加细致，如果要表现模特生活中的状态，那必须和模特进行沟通，知道她最喜爱的，最厌恶的，单纯的聊天可使彼此的隔阂消除。在镜头前，模特的压力大于摄影师，所以消除紧张感是必须的。

　　一、不作秀

　　很多作品是模特直视镜头的，在现实论的概念里，直视镜头的眼神最重要。这些照片给人的震撼是难以言表的，照片中的人们可以通过眼神传达内心的感想，在直视一双双眼睛时，读者往往会被震撼。这种拍摄方式在拍人文题材时往往会起到出其不意的效果，眼神或沧桑或迷惑或羞涩，相信大家看过很多农村题材的照片，也看过一些好莱坞明星的个人照片，那些直视的眼神在传达的是人物内心的表白。

　　这就要求摄影师能够把控片场的气氛，能够使模特放下包袱，把内心的真实状态通过肢体和眼神传达出来。

　　摄影师不能作秀，为赋新词强说愁的做法实不可取，打个比方，一个90年代的小姑娘，在没有了解朋克文化时，摄影师强求一种形似——片子的失败是肯定的，并非任何人都认同朋克一族，强求这种视觉效果反而会适得其反。

　　不能作秀的另外一个意思就是自己先理解拍摄的主题，不可不懂装懂，在模特面前丢面子是小事，拍摄失败是更不能容忍的事情。

　　还原本真，适合的模特表演适合的角色，这是靠发掘，不能生搬硬套。

　　二、不作伪

　　将人像照片PS的更加完美，是每个摄影师的必修课。在PS的过程中会运用很多的桌面图形编辑系统进行操作，这一步是在还原客户的梦想。如果让一位商业摄影师放弃PS，那无疑是让人家丢掉饭碗。

　　这里的不作伪不是在说PS，说的是摄影师的本身，学习一种风格成熟的摄影作品是无可厚非的，在桌面系统软件的帮助下，每个人都有可能成为大师，捷径是没有的。一个成功的摄影师取得的成就无不是靠辛勤的汗水换来。

　　剽窃一位摄影师的创意变得如此简便，甚至直接剽窃摄影师的作品，这种事让人心寒，许多事例就在我们身边，就不一一列举。

　　对于拍摄人像的摄影人来说，不作伪显得尤为重要，有时候某种风格会出现两个或更多的摄影师，这是无可厚非的。但坚持自己的风格，并使之能够焕发活力，这是不是更加好一些？符合自己心意的风格，健康的创作态度，这是对摄影人最最重要的东西。

　　提倡原创性并非任何参考都不能用，实际上很多创意元素被利用了无数次，如婚纱、红五星、绿军装和红肩章等。摄影元素可以重复，创意不可重复，和别人的重合，哪怕对方是位大师，也不值得沾沾自喜。关注下周围的人们，生活里的时尚元素和故事元素多的不胜枚举，原创性的照片才是真正有价值的。不必作伪，忠实于自己等同于忠实于别人。

　　三、不作废

　　将自己的想法付诸实施有时会遇到很多问题，在难关面前退而求其次，这是每个摄影人都会碰到的问题。我的办法是：把这个想法继续深化并寻求一切可能进行下去。

　　毅力和信心在这个行当中是一比一的关系，拍摄人像与拍摄其他题材是一样的，摄影师付出的越多，得到的成就就会越大。这貌似是句空话，但当您沉浸在器材所带来的喜悦中时，对摄影技术和后期水平的提高是否越来越远了呢？

　　拍摄不好怪器材，是每个摄影人早期都会有的心态，而实际的拍摄时用何种焦段来表现人像摸不到头脑。办法是：固定于某一焦段，努力适应这个焦段带来的视觉冲击，每个焦段的作用都是不同的，这种研究方式对初学者是很必要的，跑腿的同时，对这一焦段的理解会慢慢的理解：配合不同的光圈，不同的距离，获得不同的景深，这种在实际操作中获得的经验比死记硬背要来的实际些。

　　另外一种心态是退堂鼓，总觉得拍摄计划漏洞百出，可又无法把漏洞补齐。最后拍摄的照片变成纯纪念式的留念照。每个喜欢人像的.摄影人都碰到过这个问题，当看着一堆废片回想自己的拍摄创意时，哪个更加重要？是时间还是坚持？在这时，浪费时间的，恰恰是这个看似重要的拍摄过程。

　　明知不可为而为，这是愚夫，但明知可为而不为，这是什么？和是否职业没有关系，和玩耍的心态有关系，在不尊重一个行业的情况下，梦想靠玩耍提高摄影的修养和技术，这根本不可能。摄影爱好者如同雨后春笋，但其中崭露头角的，无不是坚持的强者。

　　作为一个摄影人，无论是发烧友和从业者，都是其中的一员。请把关注的目光从器材上挪开些，回到原点来，关注下自己作品的含金量，难道这是无的放矢的事么？创作态度越严谨，掌握的美学知识越多，赏片能力和摄制把控能力越强，PS的精准度也会越高。这是一个必须的过程，把主观的意识传达出去，比单纯的一张清晰照片更加有意义。

　　新书试读人像摄影师的自我训练

　　作为一个摄影师，如何能够拍出更好的照片？如何能够不断地提升自己？

　　认识你自己

　　学习摄影的途径有很多，其实都包含着一个首要目的——帮助你来正确地认识自己。

　　所谓的摄影水平，必然包含着有关人像摄影的各方面的元素，这些元素合在一起，再加上你的灵感与才气，就构成了摄影的整体水平。按照我们熟悉的“木桶理论”：木桶中盛水多少，是由最短的那块板所决定的——同样，在拍摄中很可能在某些方面你已经表现出了过人的灵气，有了相当出色的发挥，但是，最终影响并限制整体水准的，往往是你不熟悉或者忽略的那些环节。你所用的模特如何？你与化妆师的配合是否融洽？你对镜头语言是否运用自如？面对电脑你是否经常不知所措？……往往你忽略甚至认为无所谓的东西，正是你最需要学习和补充的。

　　很可能你已经体会到，现今的人像摄影并非对着模特按下快门那么简单，它是一个真正的系统工程，最终作品的水平取决于各个环节的水平。如果你准备成为一个专业或职业摄影师，就必须对各个环节都有所把握，以形成一个完整的流程。这个流程的水平就是你的摄影水平。提高水平，就要从流程的各个环节入手。哪怕你曾经拍出过很好的作品或者获过这样那样的奖项，在整个流程建立之前，显然你尚未达到一个真正专业摄影师的标准。

　　技法与手段

　　你掌握的东西越多，你在一幅作品中能够解读的信息也就越多：面对一张人像作品，一个外行只能看到漂亮的模特，感觉到画面的感染力；而作为摄影师的你，显然已经可以对模特、化妆、造型、服装搭配、场景设置、镜头语言、构图技巧、瞬间与动态、色彩运用以及后期调整、妆面与皮肤处理等等诸多因素做出分析，找到其中哪些环节是非常出色、值得加以学习和借鉴的，哪些只是一般状态或是存在着一定的缺陷。保持这样的分析、观察习惯，开始时，诸多元素可能交织在一起显得非常复杂，不过，当你的水平越来越高的时候，更多的东西在你眼里就变得简单明了，此时你可能一眼就能分辨出一幅作品中包含的最为关键的元素是什么了。

　　任何一幅出色的作品，都是建立在一个完整有效的工作流程之上，并且通过对其中的一个或几个环节的出色发挥而形成的。经常也能遇到这样的情况：某位摄影师的工作流程并不完整或是存在明显的缺失，但凭着某个环节的出色表现，也能够构成一幅作品——不过，这样的作品常常不可避免地会让人感觉到在专业性方面有着某种欠缺；还有少数非常成功的摄影师的作品，可能在流程环节的各个方面都达到了很高的水准——达到这样的境界当然很不容易，由此更能让人体会到，提高水平并非一朝一夕的事情。

　　对于刚起步的摄影师来说，借鉴与模仿是提高水平的最直接快捷的途径。人像摄影有众多的客观条件作为前提，因此，即使希望能完全“复制”一幅作品，大多数情况下也是不可能实现的，所以完全不必担心自己的作品在某一阶段看起来“很像”某位著名摄影师。

　　对于新锐摄影师们，大多数尚处于我们所描述的第一种状态：有一个基本完整有效的工作流程，并在一两个方面具有出色的发挥。正因为如此，他们的作品对于大多数人来说，才具有最直接的借鉴和参考价值。

　　Canon EOS40D相机 17mm镜头f11 1/200s IS0100

　　图片提供：深圳无限映画摄影工作室

　　婚纱的拍摄流程，往往需要以“稳”为主——对于各种技法的运用要比较有节制；本片在场景、构图、用光、服装搭配等各个方面做到了既中规中矩又颇具匠心——不难想像，这样的效果在商业拍摄中一定会受到最广泛的欢迎。

　　Canon EOS5D 相机 EF 17-40mm F4L 镜头 f10 1/125s IS0100

　　摄影：于子

　　白色的纱幔、红色的灯光与对一个狭小空间的充分调度，构成了一个富有冲击力的画面。

　　MAMIYA RB67SD相机KL 180 F4.5 L-A镜头 f5.6 1/125s

　　摄影：李绍斌

　　嘈杂破旧的环境、华服的外籍模特、简单直接的时装化拍摄手法，加上出色的黑白影调控制能力，打造出了突出的视觉张力和文化感。

　　Canon EOS 5D MarkII相机 EF50mm F1.4 USM 镜头 f7.1 2.5s IS0200

　　摄影：刘卓能

　　本组照片的核心技巧来自于一个非常简单的Photoshop操作——反相。因为很少有人以此作为主要的创作手段，所以达到了出奇制胜的效果。

　　MAMIYA RB67SD 相机 C 50mm F4.5镜头 f5.6 1/125s ISO100

　　摄影：李绍斌

　　服装与环境的和谐搭配、适当的镜头透视效果运用、加上良好的瞬间抓取，在平淡之中创造了令人心动的效果。

　　Canon EOS30D 相机 18mm焦距 f4.5 1/2s IS0100

　　摄影：刘卓能

　　场景、模特、服装和道具——一切均以反常规的方式出现……对现代的新锐摄影师而言，“与众不同”往往是最重要的！

　　Canon EOS-1Ds MarkⅢ相机 EF 70-200mm F2.8L镜头90mm焦距 f13 1/160s IS0100

　　摄影：骆飞

　　场景设置、模特安排、服装造型、复杂的布光……典型的时尚大片操作手法——进行这样的拍摄，其规模和复杂程度不难想象；而目的只有一个：个人风格的展现！或许有人认为：这些都已经与人像摄影无关——不过，是谁规定了人像摄影应该是什么样子？

　　ALPA相机 Carl Zeiss Biogon 38mmF/4.5镜头 f8 1/15s ISO100

　　摄影师：颜志雄

　　和谐优美的画面后面，包含着巨大的拍摄投入——携带模特、化妆师、服装、摄影器材进行上千公里的旅行……看到这些，你还会认为今天的人像摄影是一件很容易很简单的事情么？

　　自我拓展

　　在某个时期里陷入自我重复而停滞不前，是多数职业摄影师——尤其是从事经营性拍摄、技巧熟练的摄影师——不可避免都会遇到的一种困境。比较严重的情况下，一些人甚至会因此失去对行业与摄影的兴趣和热情。

　　在商业性拍摄中，为了效率与管理，将拍摄过程形成相对固化的流程和模式，是必不可少的手段。毫无疑问，从某种意义而言，为了兴趣和自我表现的个人拍摄，与日复一日模式化的商业性拍摄完全是两回事。对于个性突出的年轻摄影师来说，模式化的重复过程是一种相当大的考验。不过，这种考验也并非毫无意义：首先，可以磨练任何职业都必需的耐力和自我控制能力；其次，可以让每个技术环节都变得高度熟练。商业的东西，充满着喧嚣、浮躁与浅薄，置身其中，天长日久难免不受到感染。在这个过程中，保持个人对镜头、画面和影像的感觉则是最重要的。很多职业摄影师都有一条很有效的经验：将拍摄分为个人和营业两部分，把个人化的拍摄作为一种“积蓄”，将营业性的拍摄作为“释放”。事实证明，坚持这种个人化的创作对于职业摄影师来说是相当宝贵的。

　　对职业人像摄影师而言，过度的“专业化”——每天所见、所想、所做的都是自己行内的那一套——未必就是件好事。人像摄影只是摄影的一个门类，而商业人像只不过是人像摄影的一个分支，如果能时常从自己习惯的思维定式中跳出来，思路和视野都会更开阔。上一代的摄影师们喜欢从时装摄影——尤其是国外的时装摄影师那里寻找思路和灵感；而新一代的摄影师则把目光投向影视剧、MTV、卡通和电子游戏，将更广泛的流行文化元素纳入人像拍摄之中，展现了更丰富的变化与可能。

　　本书摘自《人像摄影工作室完全手册》一书

　　内容提要

　　当人们开始厌倦影楼写真千人一面的拍摄之后，具有独特个性的人像摄影工作室应运而生。当机遇就在眼前时，如何完成从一个发烧友到专业摄影师的跨越？

　　本书以专业的角度分别讲述了器材、设备、镜头语言、现代构图、用光、场景、模特、妆面、造型、服装等摄影分类内容。并以翔实的资料为人像摄影的从业者提供了构建以及经营的指导和建议。

　　书中汇集了12位新锐摄影师在近年来拍摄的优秀的人像摄影作品，为读者呈现了一场高水准的影像盛宴。而且每组专题还配有摄影师本人的拍摄手记，真实地记述了专题的拍摄过程以及他们的创意构思。

　　本书对于人像摄影爱好者开拓视野、掌握摄影技术技巧提供了非常实用的指导。而对于有志于成立人像摄影工作室的从业者来说，这更是一本能够帮助成就事业的摄影书。

　　书名人像摄影工作室完全手册(彩印)

　　标准书号 ISBN 978-7-115-22803-1

　　作者郑玮刚杨岱骥编著

　　责任编辑胡岩

　　开本 16 开

　　页数 303 页

　　初版时间 2010年7月

　　定价 98.00 元

　　人像摄影中如何选择镜头焦距

　　相信不少影友手中的相机镜头都是变焦镜头。最普遍的是三倍变焦镜头，焦距由35mm至105mm。有些强调光学变焦的DC，更具有8x甚至10x的光学变焦。

　　拍摄人像时，焦距的选择对画面对象的比例有很大影响，从而决定照片给观众的感觉。不少初学者都视光学变焦为拍摄上的一种便利，有变焦镜头便可以站在原地拍摄较远的景物，这当然不是拍摄人像应有的态度。较为专业的想法是，首先决定以什么焦距拍摄这幅照片，自己再走到最适当的位置拍摄。拍摄有水平的人像照片，是不可以偷懒的。

　　拍摄及绘画同样讲透视感

　　究竟以短焦距（广角）镜头拍摄的照片，跟长焦距（远摄）镜头拍摄的有甚么分别呢？最明显的差别就是，如果模特占画面的面积不变的话，利用广角镜头需要更接近模特拍摄，而用长焦镜头就要距离模特更远。越是接近模特拍摄，画面所表现的透视惑就越强烈。即是说广角镜头能表现出强烈的透视感，而长焦镜头就表现出较低的透视感。透视感是什么呢？这是以平面表达立体空间的手法。大家都知道较近的对象看起来会较大，较远处的对象看起来会较小。因此大家都会直觉上认为，较大的对象较接近自己，较小的对象离自己较远。缯画时，画家都会应用这种手法，将背景的景物画得较小，人们便知道那些景物离自己较远。

　　广角长焦比一比

　　大家拍摄时，借着运用不同焦距的镜头，改变自己与模特之间的距离，便可以改变模特与背景之间的透视感。以广角镜头拍摄的照片，前、后景物的距离都被夸张了，而且照片的四周会出现较明显的扭曲。例如拍摄一张半身照片，如果以广角镜头（如28mm或35mm）拍摄，便需要站在离模特较近的位置。这时模特占画面的面积较大，稍远的背景对象会拍得十分渺小，透视感十分强烈，远、近景物之间的距离比肉眼所见更为夸张。

　　以长焦镜头拍摄的照片，远、近物件的大小就没有太大差别，看起来两者的距离像是被拉近了，照片表现的透视感也最小。例如以长焦镜头（如105mm至300mm）拍摄同样的半身照，这时便需要站在离模特较远的位置。从照片看起来，因为背景景物没有明显的“缩小”，所以背景好像被拉得与模特更近。

　　假定模特占照片面积不变，以越广角的焦距拍摄，模特与背景之间的距离拉得越远；以越长的焦距拍摄，模特与背景之间的距离拉得近。

　　广角不宜拍特写

　　拍摄人像时，要运用什么镜头，首先要考虑是否需要较多的背景。如果当时整个环境都很有特色的话，，大家不妨考虑采用广角焦距，这样能够同时拍摄模特及较多的背景。如果同时采用较低的拍摄角度，会比水平拍摄角度更加能够表现出透视感，视觉上的冲击会更大。如果模特的手、脚部分放得较接近相机的话，这些部分会因为透视的关系显得更为修长。不过通常的做法都是以广角镜头“拉长”模特双腿，“拉长”双手的拍摄方法需要配合较大胆的创意。

　　要注意的是，初学者不宜以广角镜头拍摄模特脸部特写，因为太接近模特拍摄会形成脸部“强烈的透视感”，五官之间的距离被拉远，而且脸部变得阔大，有时会十分吓人。另一方面，用广角镜头拍摄时，要尽量避免在高于模特的角度拍摄，以免拍出来的照片“头大身小”。在低角度拍摄时，也要留意模特的头部不宜抬高，以免拍出来下巴、颈部变得肥大。

　　长焦有利简化背景

　　如果拍摄时的环境较为杂乱，或者大家只想将注意力集中于某些特别的景物，便可选择以较长焦距拍摄。这时背景只会剩下较少的对象，稍为变换角度就可以避开不希望出现的背景景物，例如电灯柱、行人等。运用长焦距拍摄半身或脸部特写镜头是十分好的，因为模特五官的比例会看来比较正常，而且背景也较为清简，较为适合初学者使用。如果大家的镜头等效焦距超过300mm的话，更可以营造出浅景深效果，将背景虚化成抽象图案，更能突出模特的美态。

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