国画相关知识短文

　　美术界的“中国梦”断想

　　自从提出关于实现中华民族伟大复兴的中国梦以来，文化界诸多活动都冠在“中国梦”之下，例如第十二届全国美展，有评论便称“这是美术界的中国梦”云云，但仔细想来，这“梦”中间诸多成分并不是中国的，或不完全是中国的。

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　　西洋画做不成“中国梦”

　　全国美展分类十三，除了综合类，绘画有国画、油画、版画、水彩水粉、雕塑等五六类，属于“中国”的只占五六分之一，这是惯例，历届美展基本如此。可是我想不通的是，这是在中国，在独立自主的并非半殖民地的中国，中国政府出钱举办自己的展览，可自己的艺术却只占十三分之一的份额!记得澳门庆回归办展览，分类者三：一曰中国画、二曰西洋画、三曰书法，一个被殖民了百年的澳门是这样做的!

　　我不能不痛苦地告诉大家，那西洋画无论如何也是做不成“中国梦”的!何况，人家西洋画复兴的“洋梦”早在五六百年前欧洲人就做过了，那叫做欧洲的“文艺复兴”，才使得我们认为他们的才是普世的，才使得轮到我们做“中华民族复兴的中国梦”的时候，有人还误把这“洋梦”当作自己的“中国梦”来做呢!

　　即使中国画部分，严格意义上说也相当一部分已经不“中国”!这问题已经有诸多讨论，甚至有人说出“如果再这样展览下去，中国画就没有了”——这似乎有些危言耸听。

　　大家都在说中国画的“写意精神”没有了，其实“写意精神”四字要拆开分两段说，一个是“写意”、一个是“精神”。首先是“写意”没有了，大家统计展览的写意画很少，而且得不了大奖，这是事实;我说更严重的是“精神”也没有了。什么精神?“中国精神”!中国画讲究诗情画意，我们没有了诗情，请问时下有哪几位画家还能诌几句诗?不单单说画家，我们国家现今还有诗人吗?中国是一个文化大国，曾经是一个诗的大国，可是现在诗没有了!我不知道该怎么评价没有了诗意的中国画。没有了诗意，便只能见鸡画鸡、见狗画狗，意之不存如何去“写”?更不用说我们也丢掉了书法，写意之“写”也没了，只能描、摹，这样一来“写意”何存?!

　　说不清从什么时候开始，中国画的评价标准变了，变成西画的标准了，什么“构图、透视、比例、结构、调子……”我们的画人已经不知那个统领了中国画一千六百多年的“六法”为何物、不知道“六法”之首的“气韵”为何物，中国画崇尚的诗、书、画、印“四绝”，现在是一缺三，诗、书、印皆缺，所剩的“画”也只是用毛笔画素描罢了，难怪有人评论现在的中国画仅剩下材料是中国的了!

　　中国画的一个重要部分——题款，基本“淡出”了，这次中国画展览获奖作品中，大部分都没有题款，有题款、书法没有错别字、有钤印者，大约十幅左右，约占十分之一，还不能再要求题款的位置要妥当、书法要基本说得过去、字体要大体合适。

　　潘天寿先生曾经批评中国人物画素描式有光影的脸，要他们“把脸洗干净”!请问现今之中国人物画坛，还有几张“干净的脸”?!

　　更不用说，还有更加激进的画人，在进行“水墨实验”，他们革了毛笔的“命”，在吸水和不吸水的纸上，胡涂乱抹那些他们所谓的“现代水墨”……

　　我不禁要问，我们民族引以为自豪的中国画还是“中国的”画吗?!

　　张大千泼墨国画山水

　　2014年末，水墨作品市场开始出现下行趋势，而早在2014年初水墨被市场炒得火热之际，就有人对此不看好，当时较多的人觉得水墨最多能火两年，然而所有人意想不到的是“水墨热”匆匆一年便偃旗息鼓了。

　　“水墨热”退潮的原因很多，而“水墨热”本身也包含了至少两个层次：一是传统的名家书画，主要对应礼品市场;二是以青年艺术家创作为主体的“新水墨”，主要针对短期投资性市场。

　　关于“水墨热”的降温，很多人认为是源于“反腐”，“反腐”可以称得上是对不健康市场的致命一击，但更为深刻的是，这次水墨市场的调整并不是简单的价格波动，而是市场结构的根本性调整，甚至可以说，艺术品市场的调整本身不存在什么特殊性，它不过是整个社会经济结构调整的一小部分而已。

　　许多人心里应该明白，名家书画市场是到了2009年之后的这5年才出现了飞速增长，这5年中，有些人的'作品价格翻了50倍，但这50倍中有多少水分?这几年名家书画的飞速增值，并不是因为这些作品的学术含金量，更不是由于投资者审美水准的提升，很大程度上是依托于房地产的红火。显然，名家书画高歌猛进的这5年也正是房地产一枝独秀的5年。许多地产商为了商业运作、送礼和拿文化用地的需要，便以展览的名义收购名家作品，也正是因为这一需求使名家书画有了井喷式的增长，有人认为名家书画有朝一日还会涨回来，但笔者的看法是，其价格即使回涨也不会像2013年前后那样。

　　前些年依托商业运作的艺术品大手笔已经一去不复返了，但它让许多机构、协会、艺术家习惯了这种手笔。举个例子，某公司想要策划一个展览，给某学会提供了一个展览方案，那个学会看过方案之后质疑的不是这个方案有没有学术性，而是质疑这个公司是否有几百万元，甚至上千万元的展览预算，因为要邀请名家、购买作品。在地产、能源利好的时候，几百万元、上千万元做一个展览收购些作品自然不是问题，然而当这些行业都现金吃紧时，谁还会拿那么多钱做展览买作品呢?

　　“新水墨”的市场高潮，可以说是来也匆匆、去也匆匆。虽然很多人于此获利，但也有人一开始就对“新水墨”不看好。“新水墨”的操作模式和几年前的当代艺术如出一辙，一年多前笔者曾撰文说“新水墨”会步当代艺术后尘，只是没想到其消散得比当代艺术还快。

　　在笔者看来，目前的艺术品市场是极不健康的，因为几乎所有人购画的目的都是为了升值，与其说这是投资倒不如说是投机。在这种心态和操作模式之下，是不是水墨、是不是艺术品显然不是最重要的。

　　就当下而言，艺术品市场与股市等其他行业无异，其实最后都是用金融的方式讲一个好故事，然后说服一批人拿钱跟庄，最后庄家赚钱，散户埋单，但这并不是艺术品市场本身的问题，也许这就是现代社会一个最普通不过的经济法则，笔者认为，就艺术品市场而言，进入者要先想想自己的目的，是收藏、投资还是消费，这是完全不同的3个概念和3个层次。我们不能要求一个人花几千元买一张消费型的作品指望投资升值，而艺术品市场也不能简单局限于倒买倒卖的环节。简单的炒作倒卖虽然繁荣了经济，促进了流通，但对一个市场的长远发展和机制建立毫无意义，其带来的都是社会消解功能，不可能贡献出建设性的价值。

　　在今天这种简单的市场操作模式下，艺术家租一个工作室，把自己关起来“创作”，但创作是为了什么呢?为了销售。其实我们抛开艺术家的头衔，以及创作这样高大上的词汇，艺术家不过是一个现代经济社会中的生产商，而机构都是中介和经销商，只可惜，一切市场机制没有完善，所有行业行为都没有准则，一个环节坏了，整个市场机器就可能瘫痪。

　　在“反腐”的打击下，名家书画纷纷回落。名家书画与贪腐扯上关系，自然需要打击，但法律的归法律，市场的应该归市场，如果我们叫好的原因仅是因为打击了高价位书画，其实这只需向艺术家征所得税便可以了。说到底，市场不应因政治而兴废，而应建立合理的税务制度去规范。

　　事实上，艺术家成为生产商或资本家化本身在市场经济中不是什么问题，因为这就是一种简单的供需关系，但这些问题应该让市场本身去调节或解决，从而健全一种自由的市场机制。

　　艺术品应该在市场机制中回归到本有的消费环境，喜欢就去买，有能力就收藏，将消费交给这些大量生产型的艺术家，而将收藏让位于那些具有艺术史野心和理想抱负的艺术家，这是一种理想的状态，但也是一种让社会回归理性的必要提醒。

　　其实，艺术品市场的调整不过是整个经济环境的一个小环节，但这次调整已不是价格的涨跌问题，恐怕这将改变艺术行业的格局，甚至关乎许多艺术机构的存亡。我们唯一能做的是不要去做那些价格在明年还会涨得更高的白日梦，而是跟随这种变化，去适应它，并推动自由市场机制的建立。

　　在信息技术让一切变得越来越透明的时代，艺术品的价格和交易记录也变得毫无秘密。一个人可以从画廊、博览会买画，也可以在微信、艺术家本人甚至电商手里买画，失去了倒卖价差空间的利润，玩的人自然也就失去了兴趣，于是，市场之前不透明的规则被打破了。此刻，不应去埋怨这些打破规则的技术，或是埋怨哪个环节的人破坏了规矩，而是在这种透明的信息时代，亟须建立一个更能符合时代需要的市场规则。

　　不像中国画的中国画

　　时下关于中国画的展览不少，形形色色，各有特色。在这个范畴里，若不是很强调传统写意或者当代工笔之类的展览的话，的确令人难辨“纯种”中国画的影子!很多展览中出现了不是标准的工笔画法，又绝非水墨或水墨写意作品，有的作品直接用色彩描绘，或多肌理制作，也有水墨装置观念，甚至在屏幕上播放……等等，依我看，时下有很多中国画展干脆就改为水墨画展了，似乎更为轻松些许。

　　至于像与不像中国画，这是个习惯问题——因为在所谓的水墨圈中，“习惯”已经成为左右我们判断绘画的唯一根据。通常意义上的“惯”是什么呢?查史明理，国画一词，起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画是汉族的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。

　　每每我们看到的评论国画的文章，必牵涉到的理法、文脉、画史、风格等，或再谈，一上来就是那随口可数得的几位大家，数来数去，比来比去，多成习惯，难免套路遵循之，不轻易谈之。再往下细谈就是老生常谈的笔墨、笔法等诸多问题了。如此一说，中国画总要围绕这类型的问题才能下论，关于中国画的创作，能不能谈点别的呢?

　　再到刚落幕的“第12届全国美展”中国画展场上，该展不仅表现了五年来中国画创作的主要成果，而且也反映出当代中国画发展的主要问题，展览中有专家指出：中国当代国画创作却开始慢慢将传统丢失，重创新，轻传统;重工笔，轻写意;重人物，轻山水，传统且具有震撼力的画作越来越少，国画中所探索的“笔墨”、“气韵”也慢慢为之淡化，无疑是中国画创作的一种悲哀。“正本清源”——对中国画写意精神的重视亟待解决。往下强调：中国写意画之“意”、中国写意画之“写”、中国写意画之“气”一一述来，如此才中国画?人们各抒己见。问题来了，如果画家不按如此之写意就是一种悲哀吗?与之不像又何妨??再延伸到当下其他画种所遇同样的问题，如：水彩没有水味，油画没有油性、雕塑不为雕，亦不塑，多有人争论云云。如此问题，早在第十届全国美展中，艺术评论家陈履生指出：“虽然，很多人不愿意提区别和界限的问题，因为，这是一个自找麻烦的事情，而且实际运作的时候也有困难，像现在这样不区分一样，同样会引起争议。可是，它又不能回避，我们总不能眼睁睁地看着把中国画塑造成一个‘四不像’，不仅像油画、版画、水彩画、漆画，也像日本画。现在的中国画已经是一个无所不包的大仓库，只要是画都可以往里面装，真正变成中国人画的画就是‘中国画’。”

　　当然，中国画如何呈现多视角审美?这个问题是所有传统的中国文化样式都面临的共同课题。解决这个问题，并非一蹴而就，就历史而言，自中国画诞生以来，就是在探索和创新中前进，并留下一整套跟中国社会相联系发展的历史经验，不同的历史时期中实现自身文化价值构建，在每个朝代都有其鲜明的时代特点，或是经典或是力作，不能照搬。正如宋人如何看唐画，清人如何看宋画，近代人如何看古人画，近30年以来中国画的发展也如此。无论是“85美术新潮”“实验水墨”还是“传统回归”，使人们似乎觉得，在多变的文化语境下和不同的艺术视觉体验之后，一门艺术样式也随之自觉呈新，而中国画也正在这种转换中相应发生了概念变化，以至逐渐形成我们今天学术界所大体分为的中国画保守型，创新型，现代型的创作群体。

　　“像不像中国画”只能束缚画家创造的手脚，压制画家的探索精神，阻碍中国画向多元化发展。艺术创作素来是以多元个性共生的生态链为上，中国画的创作同样亦非在同一张宣纸、一枝毛笔、一锭墨上作出某种程式为高，而是尊重画家自我的视觉体验和对当下文化的感受、判断。或许，正是这种“像与不像”的区别和界限中游离，画家每一次的创作都无法“惯”出来。无论未来如何，观者可能更多期盼的是画家能给我们创造出一幅与众不同的中国画，变则兴，不变则衰——这是一个朴素的道理。

　　至于不像中国画的“中国画”，由观众来说吧。千万别说：你的就是中国画，人家的就不是。

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